巴黎-米兰-伦敦：欧洲时尚和文化的兴起和演变
“时尚会消逝，但风格永存。”——可可·香奈儿
时尚是我们社会的重要元素
时尚从文化、历史和艺术中汲取灵感，既是教育工具，也是灵感来源。追随时尚潮流往往会导致有共同兴趣的集体朝着同一个方向前进。
各大奢侈品牌花费数年时间打造自己的形象和 DNA，有时他们会出于营销或文化原因聘请传统圈子以外的创意总监，以吸引具有不同文化背景的新受众。
这种方法乍一看似乎很有吸引力，因为它引入了新的想法和新观点。它允许品牌重塑自我并保持长期相关性。然而，这种方法也存在风险。
风险一：奢侈品牌形象被淡化
当聘请外部创意总监时，他们可能会带来与品牌既定身份不同的愿景，从而有可能淡化品牌的本质和真实性。如果忠实的粉丝和顾客所珍视的价值观和审美观发生重大改变，他们可能会感到疏远或失望。
此外，聘请外部创意总监可能会被视为纯粹的商业策略，旨在吸引新客户并增加收入。这可能会招致批评，并被视为利用文化或进行文化挪用，尤其是当品牌大量借鉴某种文化而不尊重其起源和更深层含义时。
从奢侈品牌传统叙事之外的角度任命创意总监的想法似乎很有前景，但这种方法应该谨慎对待。在创新与维护品牌形象和历史之间取得平衡至关重要，同时还要表现出文化敏感性，以避免任何形式的剥削或文化挪用。
时尚是一种社会活动。
法国时尚和文化
探索 Abloh 领导下的 Louis 的演变。
这位才华横溢的男士成功完成了自己的使命，主要吸引了音乐、体育和非洲裔美国人的受众。这创造了一个新的消费群体，他们通过路易威登品牌来展示自己的群体归属。然而，这种趋势可能更注重外表和财富的展示，而不是对品牌文化和意义的真正理解。
奢侈品牌在不断发展的同时，保留品牌基因和文化传承至关重要。追求短期财务策略有时会导致品牌真实性丧失，品牌形象被淡化。
我还引用了 的例子，他没有听取专业建议，就展示了使用濒危动物皮毛制作的设计。这引起了人们对灵感如何转化为文化以及在时装设计中尊重自然和环境的重要性的合理担忧。
时尚确实是文化、教育、经济和政治的渠道。它深刻地影响着我们的社会，并在塑造我们个人和集体身份方面发挥着重要作用。因此，时尚公司必须意识到自己的责任并采取合乎道德的行为，确保在适应当代世界变化的同时保留自己的传统。
然而，我们也必须认识到，人们对时尚及其影响的看法可能有所不同。有些人可能将这些变化视为多元化和复兴的机会，而另一些人可能关心如何保持真实性和文化相关性。
在时尚讨论中认识到这种观点的多样性并促进开放和尊重的对话至关重要。
时尚之都仍然是巴黎，那里有高级时装秀
文化部通过资助有助于法国时尚发展的组织和项目来支持时尚领域的创造力、研究和创新。
时尚主要是一个外观问题：
一种态度
事实上，服装自史前时代就已存在，并在几个世纪中不断发展，但让我们记住这一点：第一个采用服装规范的地方是凡尔赛宫。路易十四和让-巴蒂斯特·科尔伯特决定让法国成为世界领先的服装和产品制造国。奢侈品行业由王室统治。
这导致了 Rose 等著名工匠的出现。巴黎高级时装将成为这一现象的继承者。就在法国大革命前夕，插图时尚年鉴开始向各省和整个欧洲的读者传播巴黎时尚。
这标志着时尚新闻的诞生，成为服装自由化的重要载体。
法国王室的奢侈生活让纳税人背负了巨额债务。这些过度的开支也导致玛丽·安托瓦内特的声誉受损，甚至成为引发法国大革命的不公正事件之一。玛丽·安托瓦内特在去世后很长一段时间内仍然是一个重要的文化符号，是魅力和财富的象征。
法国大革命期间，裤裙赋予了服装政治意义，布鲁梅尔二年（1793年10月29日）颁布的第八条法律宣布人们可以自由穿衣，标志着服装民主化进程的开始。
法兰西第二帝国时期，英国人，尤其是查尔斯·弗雷德里克·沃斯 ( Worth)，率先在巴黎使用真人模特，这标志着高级时装的诞生。
直到 20 世纪，人们要么自己制作衣服，要么请人定制。第一次世界大战期间，设计师将女性身体从束身衣中解放出来。
20 世纪初，珍妮·帕奎因 ( ) 发明了时装秀。
当时巴黎大约有二十家时装公司，Paul 是第一个“解放女性身体”的人。
这些年来，时尚界出现了一种新趋势：时装设计师和视觉艺术家之间的合作。例如，艾尔莎·夏帕瑞丽 (Elsa ) 与画家萨尔瓦多·达利 ( Dalí) 合作。他们的友谊催生了结合艺术风格和生动想象力的非凡系列。1937 年著名的“龙虾裙”就是体现这种融合的著名作品。
萨尔瓦多达利和艾尔莎夏帕瑞丽
为了扩大影响力，时装业成功地与摄影和电影结盟。1930年，可可·香奈儿与塞缪尔·高德温达成协议，为曼联球星设计服装。
塞缪尔·高德温和可可·香奈儿，1931 年
巴黎是全球时尚之都，遍布全城的时尚精品店就是明证。法国时尚和法国文化受到全世界的青睐。如今，各国和奢侈品牌之间的文化交流不断，并取得了辉煌的成果。
为什么？
“文化”一词在两种语境中都至关重要。
如果当今各大奢侈品牌所采用的“文化”体系是基于历史、敏感度、尊重等，那么就会形成一种自然的联系。相反，如果这种做法纯粹是为了营销（为其提供真实的解释），那么它将被“二手”社区所拒绝。
意大利时尚与文化 意大利时尚和“意大利制造”的诞生
意大利时装的历史可以追溯到中世纪，当时出现了第一批织布和染色工坊。在那个时期，最珍贵的面料都是从东方进口的，意大利的工坊专门生产精美、高品质的纺织品。“意大利制造”品牌源于这种工匠传统和意大利工艺，帮助意大利时装在国际舞台上脱颖而出。几个世纪以来，意大利设计师从文艺复兴和地中海文化中汲取灵感，创新和开发新风格。
罗马、佛罗伦萨和米兰象征意大利时尚经济 罗马高级时装
第二次世界大战后罗马时装界的成功，是始于 19 世纪 70 年代的一次非凡进程的结果。自 1871 年罗马成为意大利首都以来，社会经济动荡一直震撼着这座城市。王室、政府官员、大使馆、商人和小企业家的到来颠覆了由古老而强大的贵族家庭主导的等级制度，为不那么保守的贵族铺平了道路，更重要的是，为城市资产阶级铺平了道路，创造了新的文化价值观、生活方式和消费模式。这个新的社会阶层对高端时装和配饰产生了特定需求，吸引了最熟练的工匠。他们来自意大利的其他城市，在首都建立了自己的工坊或开设了分店。
第一位独立于巴黎标准创造时装的“时装设计师”并不是严格意义上的时装设计师，而是一位艺术家：玛丽亚（1880-1944），她认为服装设计是造型艺术和绘画的完美结合。1915 年，她在旧金山的 Terza 展览和巴拿马太平洋国际博览会上展示了她的第一批时装，并获得了大奖。从那时起直到 1935 年，玛丽亚·加伦加的设计在欧洲和美国广受欢迎，并于 1925 年在巴黎现代装饰和工业艺术国际展览会上获得了国际评审团颁发的大奖。在她的努力下，罗马首次开始“出口”意大利女装时装。 1928 年，在佛罗伦萨开设分公司后，加伦加夫人又在巴黎米罗梅尼尔街 (Rue Miroménil) 建立了自己的设计工作室，并一直在那里工作到 1934 年。她的成功鼓励了 20 世纪 20 年代和 30 年代的其他设计师离开巴黎，受到当时文化和政治氛围的刺激。
第二次世界大战后，罗马时装在国际上大获成功。巴黎高级时装的危机和对其潜力的认识促使罗马时装设计师彻底脱离巴黎。美国市场对这一成功贡献巨大。事实上，随着战争的结束，罗马成为了国际旅游目的地，尤其是对富有的美国女性来说，她们开始发现并欣赏其时装公司的创造力，从而成为其客户群的大多数。
西莫内塔是维斯康蒂·迪·切萨罗家族的贵族，她于 1946 年开设了自己的工作室，是第一位受到美国市场关注的罗马时装设计师。她的服装设计既现代又实用，适合大规模生产，与大西洋彼岸的百货公司的服装系列保持一致。因此，她的许多设计都被美国商店和马歇尔·菲尔德百货公司购买和模仿。
1949 年 1 月 27 日，美国影星泰隆·鲍华与女演员琳达·克里斯蒂安在罗马举行的婚礼，让罗马高级时装成为众人瞩目的焦点。这对新人的照片登上了欧洲和世界各大报纸的头版。美国杂志展示了该品牌设计的新娘豪华礼服和新郎设计的晨礼服。那一天，全世界见证了罗马时装设计师的才华，更重要的是，罗马时装巩固了与好莱坞电影的联系。
事实上，早在 20 世纪 50 年代初，罗马大型且设备齐全的制片厂（成立于 1937 年）就开始接待美国导演和演员，拍摄由美国各大电影公司（主要是米高梅）制作的电影，罗马也因此获得了“台伯河上的好莱坞”的绰号。
当演员们还在探索完美的西装剪裁时，女演员们也成为了这家罗马时装公司的常客，为英格丽·褒曼、拉娜·特纳等明星以及美国大使克拉拉·布斯·卢斯和伊娃·贝隆设计服装。
索菲娅·罗兰为艾米利奥·舒伯特
艾米利奥·舒伯特 ( ) 为波斯王后索拉雅 () 和众多女演员设计服装，其中包括意大利明星索菲亚·罗兰 (Sofia Loren)。
埃丝特·威廉姆斯 ( ) 曾光顾年轻的罗伯特·卡普奇 ( ) 的工作室，他的雕塑式抽象“A”系列赢得了波士顿百货公司 1958 年时尚奥斯卡奖。次年，该奖项颁给了艾琳·加利齐纳 (Irene )，她设计了著名的宽大睡裙——完美融合了现代风格和高级时装，深受杰奎琳·肯尼迪 ( ) 的青睐。
索雷尔丰塔纳工作室经常有明星和第一夫人光顾，例如奥黛丽赫本、莉兹泰勒和杰奎琳肯尼迪，但艾娃加德纳尤其喜欢她们的设计，并选择索雷尔作为她主演的大部分电影的服装设计师。
佛罗伦萨和意大利时尚的肯定 1951-1970
20 世纪 50 年代初，意大利时装正式登上国际舞台，这要归功于乔瓦尼·巴蒂斯塔·乔尔吉尼侯爵在佛罗伦萨皮蒂宫举办的时装秀。这一关键时刻不是机构努力的结果，而是个人努力的结果。乔尔吉尼利用了他丰富的商业经验以及他在管理美国各大百货公司的采购时建立的庞大人脉和关系网络。他是第一个认识到意大利高级时装的创新和吸引力元素的人，并将它们推广到战后时期的主要国际市场：美国市场。
从佛罗伦萨到托斯卡纳，手工纺织业蓬勃发展，是中世纪制造业和贸易传统的遗产。这座城市是吸引国际游客的主要景点，是意大利文艺复兴时期艺术和文化的见证。几十年来，佛罗伦萨已成为意大利时尚的标杆，这要归功于当地时尚企业和品牌的成功和国际声誉，例如 （成立于 1927 年）、Gucci（成立于 1921 年）和 Pucci。1947 年，萨尔瓦托·菲拉格慕 ( ) 获得了尼曼马库斯奖，该奖项类似于时尚界的奥斯卡奖，由美国最大的百货公司之一颁发给时装设计师和专业人士。
1951 年 2 月 12 日，意大利首次集体时装秀的举办日，不仅被视为意大利时装的正式诞生，而且也是“意大利制造”标签的开始，标志着国际上对意大利创造力和工艺卓越的认可。巴黎之后，时装秀在他位于 Villa 的住所沙龙中举行。在六位美国顶级买家的见证下，十三家意大利时装公司展示了他们的设计：九家来自罗马和米兰的高级时装工作室和四家精品时装公司。
普奇
其中就包括唯一的本土时装设计师 Pucci。美国宾客们热情高涨，五位意大利记者的出席确保了此次活动的高调。在 1951 年 7 月举行的第二届时装秀上，意大利时装公司的数量从 13 家增加到 15 家，模特数量从 180 人增加到 700 人。此外，买家数量从 6 人激增到 300 多人。为了容纳他们，时装秀被转移到了新的场地——大酒店。
乔尔吉尼将赌注押在了他首场时装秀的一个关键特征上：意大利时装创作与过去艺术和工艺传统的传承之间的紧密联系，而只有佛罗伦萨这座城市才能为此提供理想的背景。因此，1952 年 7 月的第四届时装秀移至皮蒂宫的白厅，实现了乔尔吉尼将佛罗伦萨打造为意大利时尚之都的愿景，完美地展示了时尚、艺术和传统之间的新联盟。乔尔吉尼的舞台布置是成功的关键，他独特的走秀布景、针织品、精品时装和配饰与法国高级时装相比，都是真正的新奇事物。
然而，高级定制曾经辉煌一时，它的衰落不仅是一种市场现象，也是一种社会现象。一种新的时尚范式出现了，不再是精英和贵族的，社会上层阶级不再决定和塑造时尚规范。相反，它成为了文化和社会下层阶级的责任。乔尔吉尼敏锐地意识到了这一点，他比任何人都更亲眼目睹了这些事件的光彩逐渐消退，无论是时装公司和买家的参与，还是媒体的参与。
乔瓦尼·巴蒂斯塔
尽管面临这些挑战，他仍坚持组织时装秀，始终以创新为旗帜，展示了第一批成衣（1956 年）、青少年服装（1962 年）和女士内衣（1964 年）的模特。他促成了意大利新时尚品牌的首次亮相，例如高级时装领域的（1961 年）和（1962 年），以及“精品”类别的 Mila Schön。然而，到了 1965 年，面对持续的困难和叛逃，乔尔吉尼决定辞职，放弃了对活动的控制和组织。他的退休标志着皮蒂宫，尤其是佛罗伦萨在国际舞台上的衰落。
随着国内高级时装界一些最知名品牌的退出以及精品时装的日益受到关注，佛罗伦萨时装秀的声望和形象逐渐被削弱，沦为纯粹的“游乐场节日”。尽管皮蒂宫的活动不断扩大，但从 1972 年开始，第一届“Pitti Uomo”专注于男装和配饰，随后是 1975 年的“Pitti Bimbo”，1977 年的“Pitti”，最后是 1978 年的休闲运动装“Pitti”，以及 1970 年代的“Pitti Casa”，佛罗伦萨已转变为一个展览中心。随着 1982 年 Sala 的关闭和 1984 年“Pitti Donna”活动的最终结束，米兰不可避免地成为了成衣和意大利风格的新中心。
米兰与时装设计
米兰时装周国际成衣展的地位始于 20 世纪 70 年代中期，当时一群年轻设计师决定放弃佛罗伦萨时装展，在米兰展示他们的时装系列。国际媒体迅速报道了这一盛事，当时恰逢意大利时装 25 周年。
选择米兰，设计师们逃离了佛罗伦萨，佛罗伦萨已成为扼杀创造力和商业的束缚的象征。离开皮蒂宫，他们可以更明智地选择买家，可以自由展示比佛罗伦萨集体秀 20 个模特限制更多的系列，并选择最能凸显他们个人系列的舞台。
1981 年，即试运行开始后的短短几年，意大利领先的财经报纸发表了第一篇文章，专门介绍“吸引全球主要买家关注米兰的精美时装秀”，承认米兰在引领意大利时尚复兴方面发挥的作用。那些让伦巴第首都走上国际时尚舞台前沿的设计师们接受了与大型工业公司合作的培训，并学会了成为富有创意的企业家和管理者。
Dolce & ：意大利优雅的象征
Dolce & 由 Dolce 于 1985 年创立，是意大利主要时尚品牌之一。
多梅尼科·杜尔塞和斯蒂芬
Dolce & 以其华丽大胆的风格而闻名，吸引了世界各地的名人和时尚爱好者。该品牌的首个系列于 1986 年米兰时装周期间推出，以其独创性而闻名。Dolce & 的设计灵感来自意大利文化，颂扬花卉、水果和动物等传统图案。Dolce & 也是首批使用社交媒体推广其系列的时尚品牌之一。通过创新的社交媒体活动，该品牌吸引了更广泛的受众并建立了忠实的客户群。如今，Dolce & 已遍布全球，提供从高级时装和皮革制品到配饰和香水等各种产品。
英国时尚和文化
经典的“英式时尚”或“英式风格”自 19 世纪以来就一直存在。工艺美术运动之父、设计师威廉·莫里斯开创了一种独特的“英式风格”，至今仍代表着经典的英式时尚。
威廉莫里斯
维多利亚时代的标志是肯特公爵之女亚历山德里娜·维多利亚的崛起，这标志着一个比她叔叔的君主制更现代、更符合社会期望的君主制的出现。在她的统治期间，英国取得了许多进步，特别是在工业、科学和技术方面，但随着乔治四世和威廉四世统治下大英帝国作为全球强国的地位逐渐衰落，维多利亚女王的统治也面临许多挑战。维多利亚女王的喜好和生活与这一重要时期息息相关，在历史上留下了永久的印记。
维多利亚女王在位期间，从 1837 年登基到 1901 年 1 月底去世，英国的各个领域都发生了变化，包括组建英联邦，而英联邦在此期间一直是英国的保护国或殖民地。帝国幅员辽阔，维多利亚女王以印度女皇的身份在宝座上统治着海洋。
许多人将维多利亚时代与浪漫、优雅以及 20 世纪巨大文化变革之前的纯真时光联系在一起。
维多利亚女王
受维多利亚女王启发的维多利亚时尚
这一时期的时尚深受维多利亚女王本人的影响。女王陛下在位期间被誉为时尚偶像，她的个人风格经常被伦敦女性效仿。这引领了时尚潮流，在她统治初期，时尚风格变得更为轻松和丰富多彩，而在她哀悼期间，时尚风格则变得更加朴素和哥特式。
女性穿着修身的长裙，内衬衬裙，以营造丰满的效果。她们喜欢优雅的连衣裙、紧身胸衣和靴子。纽扣靴、套穿靴和系带靴是这一时期的典型靴子。
在 19 世纪 40 年代和 50 年代，女性服装的特点是肩窄、腰低、裙子呈钟形。内衣包括紧身胸衣、及踝长裙和多层褶边衬裙。到 1850 年左右，随着裙撑越来越流行，衬裙的数量减少了，裙子的尺寸也越来越大。日装连衣裙有朴素的紧身胸衣，而晚礼服则是低胸露肩。这些服装通常配有披肩和延伸到肘部上方的手套。
19 世纪 60 年代，裙子前部变平，后部变圆。日间连衣裙通常采用宝塔袖和高领设计，饰有浅色蕾丝。晚礼服袖子较短，领口开叉较深，搭配短手套或钩编连指手套。从 19 世纪 70 年代开始，室内连衣裙的结构变得松散，束身衣不再用于非正式场合，裙撑取代了衬裙。
到 19 世纪末，服装款式变得更为简单：裙撑和衬裙不再流行，连衣裙也不再那么紧身。紧身胸衣仍然存在，但被拉长，使女性的轮廓略呈 S 形。裙子呈喇叭形，紧贴臀部，腰部收紧，膝盖以上向外展开。与此同时，为运动设计的服装系列变得流行，适合骑自行车、打网球和游泳等活动。
那个时代的男士通常穿着三件套西装，包括一件长夹克和一条合身的裤子。燕尾服、大礼帽或礼帽等出众的花花公子服装非常受欢迎。配饰也很重要，领结、手套和围巾为每件服装增添了一丝精致感。
1807 年，服装在工厂大规模生产并在商店以固定价格出售的速度开始加快。家庭缝纫仍然很普遍，但开始衰落。新机器改变了服装的制作方式。
19 世纪中叶，缝纫机的出现使平缝线迹的出现成为可能，简化了家庭和商店的服装制作。这种机械进步使各种复杂的装饰变得更容易制作，而这些装饰很难用手工制作。蕾丝制作机大大降低了蕾丝的成本，使其更加受欢迎。
来自大英帝国遥远土地的新材料之一是橡胶，用于制造橡胶靴和雨衣。化学家开发了比天然染料更鲜艳、更耐用的合成染料。
帽子设计变化
在维多利亚时代的最初几十年里，宽大的裙子由环形下部结构支撑，是女性服装的核心元素。帽子的设计是为了与轮廓相得益彰，而不会分散注意力，无论是尺寸还是外观都保持低调。这些“隐形”帽子在摄政晚期被佩戴，其圆边与裙子的钟形形状相呼应，最终加长到遮住佩戴者的脸的程度。
到了 1870 年，随着轮廓变得越来越苗条，帽子也变得越来越小，并且前额也越来越前。发型也变得越来越复杂，卷曲的假发使自然头发更加蓬松。
到该时期末期，时尚的轮廓类似于直立三角形，宽边帽也开始流行。这些帽子上装饰着大量的丝绸花、丝带和异国情调的羽毛，其中最令人垂涎的是来自佛罗里达大沼泽地濒临灭绝的鸟类的羽毛。
蒸汽朋克——维多利亚时代的幻想版本
以铁路等先进科技为标志的维多利亚时代，是蒸汽朋克运动青睐的时期。以蒸汽机、齿轮和各种机械装置为中心主题……对现代发明和技术进行重新构想，这是蒸汽朋克的精髓。
维多利亚女王统治时期的珠宝通常是手工制作的
英国工匠经常受到追捧，他们制作胸针、戒指和项链，经常被委托作为礼物，反映出他们高超的工艺水平。另一方面，一些珠宝也是工厂制造的，在经验丰富的珠宝商的监督下使用基本的技术，劳动力是无产阶级。
维多利亚时代的珠宝通常非常华丽，镶嵌着众多宝石和复杂的镶嵌工艺。哀悼珠宝在维多利亚时代也很流行，包括浮雕和用人或动物毛发制成的珠宝。不太富裕的维多利亚人使用更便宜的材料，如玻璃和珍珠母，但这些珠宝仍然优雅而具有装饰性。
维多利亚时代的珠宝风格独特，以使用黑玉、钻石和珊瑚为特征。这种风格往往厚重华丽，给人一种富丽堂皇的感觉。虽然维多利亚风格在现代人眼中可能显得有些过时，但它仍然非常受欢迎，许多公司都提供以正宗维多利亚作品为灵感的仿制珠宝。
维多利亚时尚以 19 世纪在位的维多利亚女王命名，以长裙、精致蕾丝和高领紧身胸衣而闻名。虽然打造维多利亚风格的服装似乎很费力，但效果确实值得。添加一些机械元素或搭配高顶礼帽等配饰可以给人留下深刻印象。
维多利亚时代的靴子
维多利亚时代的系带靴特别受女性欢迎，其独特风格至今仍受人推崇。正品仿制品通常采用与原版维多利亚系带靴相同的材料制成，并且有多种来源。有些人可能出于成本原因或个人喜好而更喜欢用合成材料制成的靴子，而不是用皮革制成的靴子。
维多利亚时代的女靴主要有两种风格。
它们有低帮和高帮两种款式，颜色也多种多样，比如绿色、红色和白色，但黑色和棕色仍然是最常见的选择。鞋带通常从鞋子前部延伸到靴子的顶部，鞋跟通常高 2 到 3 英寸，呈沙漏形。维多利亚时代女式系带靴最显著的特点是鞋头非常尖而窄，可能需要购买比平常大一码的鞋，以确保脚趾不会受到过度挤压。
这种趋势让我们认识了像 和 John 这样的伟大设计师。
综上所述
伦敦、米兰和巴黎的主要时装周都展示了他们的创造力，反映了他们丰富的历史和历程。每个城市的设计师都从时尚历史和个人故事中汲取灵感——这是一种真诚的做法，但今天仍然如此吗？这还不确定。
我们必须警惕，吸引力不仅仅是一种营销策略。如果是这样，相关品牌或时尚公司可能无法长期维持下去。
时尚应该激发梦想，并继续成为社会现象。
让我们不要忘记时尚是所有人中最伟大的大使！